Efectiva apuesta musical

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Propuesta que satisface más a los seguidores de Guillermo Francella que a los de Mel Brooks, El joven Frankenstein (primera versión internacional, luego de su estreno en 2007) es un producto de lujo. Cuidada en sus rubros técnicos, cada elección de su puesta en escena responde a un preciso mecanismo de relojería que habla –en principio- de la calidad del equipo local.

A diferencia de Los productores (otra de las creaciones del gran Brooks), aquí el foco está puesto en la comicidad verbal. No es que las coreografías y el canto sean pobres, por el contrario, la labor de la coreógrafa Elizabeth de Chapeaurouge queda ampliamente consolidada a través de un cuerpo de baile excelente. Pero es también evidente que no hay letras memorables (de esas que uno sale cantando ni bien termina la función) ni las coreografías requieren la misma destreza que pudimos ver en otros espectáculos como Ella o Hairspray.

Francella asume con gracia el papel del científico que –por un momento- pierde la cordura y le da vida a un muerto, siguiendo la senda iniciada por su abuelo. Gracia que puede incluso superar sus carencias como cantante y bailarín, hecho que deja en claro que aquí lo relevante está en los retruécanos, el doble sentido, el gag verbal. Por eso la adaptación de las canciones de Enrique Pinti desentonan un tanto con el material original, tal vez porque el capocómico se tentó en poner su sello personal merced a las “malas palabras” que poco tienen que ver con la pluma de Brooks.

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Impecable en su resolución escenotécnica, El joven Frankenstein tiene varios puntos fuertes, como la labor de Pablo Sultani (Igor), Carolina Pampillo (Inga) y Omar Calicchio (el monstruo). Tanto Sultani como Calicchio les dan a sus criaturas sutiles matices que van desde un componente grotesco hasta cierta dosis de ternura. Francella ratifica su labor cómica, el innegable romance que vive con el público cada vez que aparece en el escenario.

Ezequiel Obregón

EL JOVEN FRANKENSTEIN

Música y Letras: MEL BROOKS

Libro: MEL BROOKS & THOMAS MEEHAN

Basado en la historia y guión de: GENE WILDER y MEL BROOKS

Traducción y Adaptación: FERNANDO MASLLORENS & FEDERICO GONZALEZ DEL PINO

Adaptación de canciones: ENRIQUE PINTI

Actuaciones: GUILLERMO FRANCELLA, LAURA OLIVA , OMAR CALICCHIO , PABLO SULTANI, ROSANA LAUDANI, CAROLINA PAMPILLO, JORGE PRIANO y elenco.

Diseño de escenografía: ALBERTO NEGRIN

Asesoría de Prensa: SMW

Director de Arte: ALBERTO NEGRIN

Director Musical: GERARDO GARDELIN

Directora Coreográfica: ELIZABETH DE CHAPEAUROUGE

Director Actoral: CARLOS OLIVIERI

Director General: RICKY PASHKUS

Teatro Astral: Avenida Corrientes 1639

Miércoles, Jueves y domingo 20:30 horas, viernes 21 horas, sábado 19:30 y 23 horas

Localidades de 70 a 200 pesos

Maneries

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Ejercicio de excepcionalidad, Maneries pone su atención sobre la puesta en movimiento de la perfomer Florencia Vecino. Se trata de la obra dirigida por Luis Garay, en donde las variabilidades escénicas y estímulos locales se amalgaman fundamentalmente a partir del uso del cuerpo como medio sensorial. Solo luego, gracias a una ejecución limpia y sin errores, se conjugan sin dificultad la musicalización en vivo del DJ Mauro Ap y la puesta de luces con la acción performática.

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En cierta forma asistimos a una progresión de movimientos autotélicos. Es decir, sin narración ni referencialidad externa al movimiento que se ejecuta. Por eso, aún cuando se trabaja con gestos ordinarios, estos serán inmediatamente integrados en una ejecución más abstracta. Tareas simples como caminar o correr, secuencias de pasos trabajados con diferentes energías o estructuras de repetición, en principio estarían allí enfatizando los elementos formales que hacen a la coreografía. En este sentido debe destacarse que no existe movimiento o gesto donde la calidad técnica de la bailarina y su pleno control corporal no queden de manifiesto.

Rechazando el principio de representación y circunscribiéndose a la idea de desempeño en tiempo real, la propuesta marca y destaca el aquí-ahora del acontecimiento para, desde esa plataforma, articularse en un mix de experiencias temporales varias. Durante los primeros minutos (con la luz desdibujando contornos, esfumando su cuerpo) la aparente inmovilidad de la performer y la puesta en suspenso de cualquier acción enfrenta al espectador a la experiencia del tiempo que trascurre sin más, pura duración. Luego, frente a acciones simples como correr en círculo por el escenario o en el detenerse de la bailarina a beber agua, regresa un tiempo reconocible que se aprecia y asimila al cotidiano. En otras ocasiones, será el movimiento ejecutado en diferentes velocidades, ya sea en ralentí o acelerado, el que aparentemente logrará distender y contraer la duración experimentada.

Por eso mismo no es anecdótico el tema de la extensión: la puesta dura más de una hora, tiempo que demora en llegar a su climax rítmico (tanto en la ejecución corporal como en la musical), y aún entonces el final solo puede ser impuesto.

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Aurática y atlética, podríamos definirla sin exagerar siguiendo a Roberto Echavarren, Maneries se aleja tanto de la danza representativa y de las tradiciones expresivas como del simple ejercicio formalista. Así, de la aparente quietud al movimiento mas intenso, de la mera forma a la sensación o de la figura indefinida del comienzo al cuerpo fuertemente presente, en definitiva la propuesta no deja de desplazarse permanentemente hacia el campo de la performance poética.

Bernarda Arrillaga

Maneries

Idea: Luis Garay, Florencia Vecino

Performers: Florencia Vecino

Música original: Mauro Ap

DJ: Mauro Ap

Prensa: Daniel Franco, Paula Simkin

Dirección: Luis Garay

EL PORTON DE SANCHEZ

Sánchez de Bustamante 1034

Teléfonos: 4863-2848

Entrada: 23:15 hs

El malestar en la cultura

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A esta historia de dos perdedores (que tal vez juntos puedan mitigar sus angustias cotidianas) muchos la conocían gracias a la transposición cinematográfica de Garry Marshall, con Al Pacino y Michelle Pfeiffer. La versión de la obra de Terrence McNally recientemente estrenada cuenta con la adaptación de Patricia Zangaro y la dirección de Leonor Manso.

La directora ha logrado que tanto Luis Luque como Florencia Peña encuentren una sintonía afín al texto, tarea elogiable teniendo en cuenta los diferentes estilos que habitualmente trabajan. Sobre todo en el caso de Peña, quien construye a Frankie desde la sutileza, con economía gestual y una elaborada capacidad de dominar los tonos de voz. Era necesario que la historia de estos dos outsiders retratara cierto patetismo, pero que tampoco se regodeara de ello. La ternura que los envuelve se ve alterada con los espacios de furia y reproche que los personajes manifiestan entre sí mismos y con el exterior que –ha decir verdad- hace rato los viene castigando.

Desencantados de la vida por distintos motivos, los personajes son compañeros de trabajo que se encuentran para intentar generar algo, un vínculo incierto. La obra tiene la virtud de que cada confesión sirve para entenderlos mejor, sin quebrar el tono melancólico ni ofrecer golpes de efecto. En cuanto a la ambientación, el texto tiene una fuerte vinculación con un realismo descarnado y urbano que le escenografía expresionista parece contradecir.

Frankie y Johnny en el Claro de luna es una propuesta que de seguro convencerá más al público adulto. Es, también, un muy buen trabajo de Manso luego de la no tan lograda versión de Aniquilados de Sarah Kane, y la oportunidad de ver a dos actores más ligados a la televisión en un trabajo ciertamente emotivo.

Ezequiel Obregón

Frankie y Johnny en el Claro de luna
Actuaciones: Florencia Peña y Luis Luque
Adaptación: Patricia Zangaro
Idea escenográfica: Leonor Manso
Escenografía: Diego Siliano
Iluminación: Horacio Efron y Pablo Hernando
Vestuario: Gabriela Pietranera
Fotos: Gabriel Machado
Producción: Daniel Grinbank para Cual es tu Gracia Entertainment
Dirección: Leonor Manso
Teatro Picadilly. Av. Corrientes 1524
Funciones: de Miércoles a sábado a las 21 hs. Domingo 20 hs.
Precios: $90 y $70. Miércoles $70 y $50

De fantasía en fantasía: De Rutilantes a Karabalí

El público los aclama y ellos no se hacen esperar. Los Amados volvieron a los escenarios porteños, esta vez con un homenaje a Lecuona, célebre intérprete y compositor de música cubano.

Luego del éxito de Rutilantes sorprenden al público con Karabalí, ensueño Lecuona en el Teatro Margarita Xirgu, que se desarrolla en medio de una escenografía selvática y kitsch. Al inicio se escucha un tema afrocubano que marca el ingreso de los músicos y artistas a modo de ritual. Luego llega el bolero Siboney hasta Karabalí (que le da nombre al show). Son todas composiciones de Lecuona. También interpretan los inolvidables Mulata Chancletera, María la O, Para Vigo me voy y Celos, entre otros temas; una ingeniosa manera de acercar al artista cubano a las nuevas generaciones y a las que ya lo conocen.

Durante el espectáculo, Los Amados recorren diversos ritmos como la samba brasileña, el tango, la habanera, la chacarera, el afro y los boleros, que sorprenden en forma constante hasta llegar al momento de Raquelita (Analía Rosenberg), la niña que descubrieron en el kibbutz nicaragüense. Arrasa con los aplausos luego de la interpretación que la aleja del piano para deslumbrar con el acordeón.

De la mano del Chino (Alejandro Viola) divierten al público con su recorrido musical, acompañados por el humor y la ironía que los caracteriza sin perder el romanticismo y el glamour aglomerado en la voz y el jopo del líder del grupo.

Esta vez la cantante invitada es Rosa Bernal (Dabiela Horovits): resulta imponente sobre el escenario pero no termina de ajustarse al estilo del grupo. Un rol difícil de cubrir luego del paso de la brillante y cálida Dina Dulri (Bárbara Togander). Y no podía faltar la presencia de los hermanos Black y Mambo Méndez (David y Rubén Rodríguez), que tienen un meritorio espacio sobre el escenario.

El espectador se va a encontrar con un despliegue escenográfico que se combina con el vestuario, por momentos elegante y por instantes despampanante. Recuerdos que se podrán llevar y repasar en el completo programa que les quedará de souvenir. Actores que tocan en serio y músicos que juegan con distintos personajes sorprenden cada noche a los espectadores en pleno San Telmo.

Georgina Falbo

Autor: Los Amados

Idea y Dirección Gral.: Alejandro Viola (voz)

Elenco: Músicos: Fernando Costa (percusión), Oscar Durán (requinto), Hernán Sánchez (trompeta), Analía Rosenberg (piano), David Rodríguez (congas, voz), Rubén Rodríguez (percusión, voz) y Daniela Horovitz
Lugar: Margarita Xirgú, Chacabuco 875

Reservas al 4300-8817

Horario: Viernes y sábados a las 21. Domingos a las 20hs

Precio de las localidades: Desde $ 40.

¡Y que siga la ronda!

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Infantiles hay muchos, pero con sabor a mate: solo uno.

El Mate es una obra musical para chicos con libro y dirección de Javier Zain y música de Carlos Gianni. quien es garantía de dinamismo, valores y alegría en las canciones. Lo recordarán por trabajar junto a Hugo Midón en Vivitos y Coleando, Huesito Caracú y Derechos torcidos, entre otros éxitos.

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Josefina (Carla Tarantino) y Martín (Agustín Álvarez) nos invitan a ser testigos de su cumple-mes de jovial relación. En medio de regalos nos presentan dos mundos que pueden ser compatibles y a menudo se escuchan. En medio del festejo llega Matedina (Lucía Braude), la “genio del mate” que da lecciones de vida con su guitarra y tonada campera. Las tres actuaciones son muy buenas, aunque Lucía en la piel de Matedina logra ganarse los aplausos.

Se destaca en el argumento el valor en el tiempo del encuentro, de la charla. Ese tiempo que al crecer se pierde, sobre todo cuando la agenda se llena de compromisos que hacen que uno corra todo el día sin detenerse en lo simple y grato de compartir un diálogo con un ser querido, sin la necesidad de mirar la hora en el reloj (o celular) cada 5 minutos.

La escenografía cuenta con pocos elementos, pero todos los necesarios para crear el clima correspondiente a cada escena. El trabajo de luces y sonido es prolijo. El vestuario es colorido y acorde a los estilos que se ponen sobre el escenario: la niña bien de barrio norte, el joven con costumbre de pueblo, y Matedina con su magia de Pachamama.

Respecto al programa, llegará a sus manos con una tierna sorpresa: una figurita. Para los adultos es un guiño nostálgico, para los chicos la oportunidad de pegarla en cuadernos, carpetas o donde sea. Y a la figurita se suma un 2x1 para disfrutar una vez más de la obra o bien pasárselo a algún amigo o pariente para que no se la pierdan. Un buen detalle dado que es sabido que muchos chicos, por una cuestión de edad, no entran solos al teatro. Y no se hace fácil sacar entradas para todo el grupo familiar. Una buen gesto de la producción.

El Mate es una obra en la que se van a divertir repasando los valores esenciales de la vida. Para salir cantando, por ejemplo:

“Este no es un mate cualquiera,

es herencia familiar.

Pasado de mano en mano,

con el equipo para cebar.

El ha visto muchas cosas,

y escuchado tantas también.

Conocedor de costumbres

de la vida familiar.

Mate que siembra amigos,

cosecha mucha felicidad.

Oreja para los problemas

y tiempo para solucionar.”

Georgina Falbo

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Idea: Verónica Chávez, Sebastián Kirszner

Libro: Javier Zain

Intérpretes: Agustín Alvarez, Lucía Braude, Carla Tarantino

Pelucas: Elena Insillo

Diseño de vestuario: Florencia Pinochi

Diseño de escenografía y luces: Javier Zain

Realización de vestuario: Margarita Guzmán

Música original: Carlos Gianni

Diseño gráfico: Letizia Lemme

Asistencia de dirección: Nadia Recepter

Prensa: Marina Belinco, Natalia Kiako

Coreografía: Silvina Sznajder

Director musical: Carlos Gianni

Dirección: Javier Zain

http://www.elmateyquesigalaronda.blogspot.com/

Teatro Del Nudo

Corrientes 1551

Entrada: $ 25,00 - Domingo y Sábado - 16:30 hs

REGALO DE ENTRADAS

En esta oportunidad los invitamos a ver Rodando, la obra de Alejandro Acobino y Germán Rodríguez.

Rodar puede ser lo más fácil o lo más complicado… Baches, ripio, alambrado, carancho en cable de luz... Y carteles… muchos carteles. Plano general: conductor y ciclista entran a cuadro: Llantas que se gastan pero ninguna huella. Pavimento. ¿Panorámica que se estrella en una bota texana? Hágame el favor…

Para verla, deben escribir a ensinapsisblog@gmail.com, dejando nombre y apellido, últimos tres números del DNI, y un teléfono. Sala: No Avestruz, Humboldt 1857. Sábados a las 21:30 hs.

BERESTOWOIK, de Luis Aponte

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La acción se inicia con una conversación telefónica. Un joven habla con su novia – cuya voz se escucha en off – sobre su festejo de cumpleaños, que incluye una presentación artística de la que él participará. De a poco, vamos conociendo a los otros habitantes de la casa: el hermano mayor, que comparte su gusto por el baile y el tío, quien se revela aficionado al juego. Lentamente, el ambiente se enrarece; lo pequeño se vuelve grave y las relaciones se tensan hasta lo insospechado.

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El hecho de que se trate de ucranianos le confiere otro rasgo pintoresco y extraño a esta familia de hombres, al igual que los disfraces que portarán más tarde a la hora de ir a la fiesta. Las mujeres, quienes no aparecen en escena, funcionan sin embargo como motor y causa de los conflictos internos y eternos. En estrecha relación con ellas, en el desarrollo de la trama, el juego y un amuleto se convierten en cuestiones vitales hasta lo inverosímil. Lo interesante es que en la obra se hace creíble y genera una comicidad absurda y trágica, lo que se potencia con la aparición de un cuarto personaje.

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Un primer acierto de la puesta corresponde al espacio: la sala es una pequeña habitación para unos veinte espectadores. La acción transcurre en el comedor; una de las puertas da a las habitaciones; la otra, a un patio y de ahí, a la calle. Se aprovecha la arquitectura real, lo que nos hace sentirnos rápidamente en el ámbito y nos permite imaginar la extraescena, muy bien aprovechada desde el texto y la dirección. Tanto el vestuario como los objetos en escena se ponen al servicio de la historia y sus climas. Los actores se desenvuelven cómodos en ese espacio reducido y logran dar carnadura a sus personajes y hacer visibles sus vínculos y problemáticas con naturalidad. Las interpretaciones crecen a medida que avanza la función; destaca especialmente Marcelo Mariño en su labor como el doctor: su presencia en la casa y ante los espectadores genera verdadera e intensa inquietud.

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La obra, desde el humor, hace pensar – desde un relato bien construido, desde los climas y los cuerpos en el espacio - en la forma que tenemos de vivir los problemas y situaciones cotidianas, la relevancia que le damos a lo nimio y las estrategias a las que recurrimos para solucionar conflictos y establecer relaciones con los demás.

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Clara Ibarzábal
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Autor: Luis Aponte
Actúan: Luis Aponte, Walter Jakob, Horacio Marassi, Marcelo Mariño
Voz en Off: Marina Apat, Marcelo Mariño, Agustín Mendilaharzu, Carolina Zaccagnini
Vestuario: Julia Catalá
Diseño de luces: Adrián Grimozzi
Diseño sonoro: Agustín Mendilaharzu, Agustín Rolandelli
Fotografía: Agustín Mendilaharzu
Diseño gráfico: Paula Erre, Andrés Mendilaharzu
Asesoramiento coreográfico: Federico Buso
Asesoramiento escenográfico: Alejandro Alonso
Asistencia de dirección: Carolina Martin Ferro
Colaboración autoral: Walter Jakob
Colaboración artística: Eduardo Iacono
Dirección: Walter Jakob, Carolina Zaccagnini
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SILENCIO DE NEGRAS
Luis Sáenz Peña 663 - Capital Federal
Reservas: 4381-1445
http://teatrosilenciodenegras.blogspot.com
Entrada: $ 25,00 y $ 15,00 - Sábado - 20:30 hs

Quienquiera que hubiera dormido en esta cama

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Como ya lo había hecho en Catedral, el dramaturgo y director Martín Flores Cárdenas se introduce en el mundo de Raymond Carver para extraer de él toda su teatralidad. En Quienquiera que hubiera dormido en esta cama lo logra ampliamente.

Transposición de los cuentos ¿Por qué no bailan? y Quienquiera que hubiera dormido en esta cama, el universo ficcional de la pieza no está exento de elipsis y una atmósfera recargada de enigma, como ocurre en la narrativa de Carver. Una joven pareja (sólida labor de Gabriela Licht y Germán Rodríguez) asiste a una “venta de jardín” para encontrar allí elementos que contribuyan de forma económica a la comodidad de su propio hogar. Sin proponérselo –al menos de manera consciente-, este “buceo” dentro de la materialidad ajena les servirá para reflexionar sobre su propio vínculo, sobre la forma en que las emociones se suscitan entre ambos y cómo éstas irán mutando en el futuro.

Las breves narraciones de Carver pueden ser pensadas como instantáneas de una sociedad entera, por más que los relatos se centren en vínculos pequeños. Bien cercano a la observación de hechos en apariencias triviales (de allí la mayor cercanía a su admirado Chejov), este notable autor elude la fácil parodia para –de forma entre desencantada y lacónica- entregar una dosis de emoción. Precisamente allí acierta Cárdenas, primero como dramaturgo y luego como director. Su mayor capacidad es potenciar lo mínimo, ver lo ordinario como novedoso, explorar cada gesto como si fuera un fenómeno pero no por ello restarle dimensión humana a sus personajes.

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El encuentro con el dueño de la casa, un abúlico y triste personaje compuesto con economía de gestos por Osvaldo Djeredjian, funciona como un disparador dentro de la cotidianidad de la pareja. Un motor que les deparará una nueva aventura, tal vez real, tal vez imaginaria, pero lo suficientemente sólida y significativa como para encontrar su espacio en la escena.

Ezequiel Obregón

Sobre textos de Raymond Carver

Dramaturgia y dirección: Martín Flores Cárdenas

Actuan: Osvaldo Djeredjian, Gabriela Licht, Germán Rodríguez

Diseño de vestuario: Merlina Molina Castaño

Diseño de escenografía: Carlos Di Pasquo

Diseño de luces: Marco Pastorino

Realización de vestuario: Merlina Molina Castaño

Fotografía: Maximiliano de la Puente, Francisco Ortiz Amaya

Asistencia de dirección: Merlina Molina Castaño

Prensa: Carolina Alfonso

Producción ejecutiva: Berta Silberman

ABASTO SOCIAL CLUB

Humahuaca 3649 - Teléfonos: 4862-7205

Entrada: $ 30,00 y $ 20,00 - Viernes - 21:30 hs

Se presentó un libro con ocho obras de José María Muscari

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El joven teatrista acaba de presentar un libro que reúne sus obras Grasa, Catch, Shangay, Sensibilidad, Elctra-shock, Cotillón, Piel de chancho y Fetiche. En pocas palabras nos habla de esta nueva experiencia.

El hecho de que ahora veas tus textos impresos y para el lector, ¿qué sensaciones te produce?

En primer lugar me produce alegría por la independencia del texto de su puesta en escena. Ese ejercicio de autonomía me pone muy feliz, pues como mis espectáculos tienen mucho de lo visual, nunca creí que podrían ser leídos. Pero con esta propuesta y su resultado me llevó una gratísima sorpresa sinceramente. Por eso me genera una identidad aún mayor como dramaturgo, por fuera de mi carrera como director o creador.

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¿Sentís que de aquellas obras a las que hacés ahora hay algo que ampliaste, modificaste, o potenciaste?

Sí, creo que como creador uno va mutando continuamente. Yo soy un teatrista muy pensante, reflexiono mucho sobre mi teatro y lo que genera en el otro y en mí. Creo que me estética se fue afianzando poco a poco, y en mis primeras obras yo narraba más “mundos” que ahora. Ahora creo que estoy más seducido por los vínculos, como algo más introspectivo sin perder el carácter de show, o de imprimirle la “era zapping” a mis obras. Creo también que el código de actuación comenzó a definir una dramaturgia clara en mis textos también.

Sabemos que el teatro es eminentemente una puesta en escena. Ahora bien, ¿qué puntos a favor suma la posibilidad de una lectura de tus obras?

Creo que suma la posibilidad de imaginar un mundo por fuera del mundo creado por el director. Creo que mis obras abren mundos metafóricos y de identificación o reflexión sobre nuestra massmedia muy contundentes, y la posibilidad de leer y no de ver potencia el poder de imaginación personal y de propia proyección frente al tema.

PARA SABER MAS SOBRE EL AUTOR

VISITAR SU PROPIO BLOG

www.mundomuscari.blogspot.com

Entrevista a Ezequiel Tronconi, director de Segundo Set

Entrevistamos a Ezequiel Tronconi, dramaturgo, actor y director de Segundo Set, una inusual propuesta dentro del teatro más joven que continúa hasta el 29 de mayo. A no perdérsela.

¿De qué forma nace la dramaturgia de Segundo Set?

Cuando estábamos terminando las funciones de "Pelota paleta", surgió la idea de hacer una segunda parte. Entonces comencé a escribir manteniendo el mismo lugar físico: un gimnasio. Potencié la idea de vicios que ya se hacia presente en Pelota paleta, entonces incluí una noche de timba en el gimnasio, y ahí comenzaron a aparecer el resto de los personajes y situaciones. Llevé el material que tenia escrito al taller de dramaturgia de Marcelo Bertuccio, y bajo su supervisión, terminé de escribirla.

La obra aborda la cuestión del cuerpo de una forma muy cómica y paradójica. Por un lado hay un gimnasio, pero por otro lado a la noche ese orden se subvierte y aparece el sexo, la bebida, el "mundo de los vicios". ¿Qué mirada tenés sobre esto?

La disciplina en lo que respecta al cuidado del cuerpo me parece casi imposible. Por eso los personajes de Segundo Set buscan en este gimnasio un lugar de pertenencia, de diversión, de placer, más que "hacer deporte" o mejorar su calidad de vida. El gimnasio pierde su funcionalidad, su razón de ser, pero se reivindica desde otro lugar, y ahí comienza a aparecer algo particular. La idea de la noche, lo clandestino, lo oscuro, el juego, la venganza, son un terreno muy inspirador para mi. De chico miraba mucho División Miami.

¿Cómo definirías el humor de la obra?

Está muy usada la palabra bizarro, pero tiene que ver con eso. Un humor delirante, absurdo y disparatado. Unido a una estética que mezcla lo pop con lo gris, vestuarios y objetos de fines de los ochenta y principios de los noventa, que muestra cómo estos personajes quedaron atrapados en el tiempo.

Contáme sobre el trabajo con los actores. Se trata de un elenco numeroso.

Debo reconocer que fue muy difícil. Y mucho más porque actúo en la obra. Pero tuve la suerte de contar con un elenco increíble, en lo actoral y en lo humano. Somos muchos, varios nos conocimos en la obra y cada uno viene de distintas escuelas o estilos de actuación, pero eso no fue un problema, nos entendimos rápidamente. Trabajé sobre la composición de cada personaje sin caer en la parodia. Eso llevó un tiempo. En esta segunda temporada estamos más maduros, intentamos redescubrir la obra en cada función.

Teniendo en cuenta que la obra forma parte de una trilogía, ¿nos podrías contar sobre la última parte?

"Sauna" es una comedia romántica, que muestra el reencuentro de Michael (Sebastián "Berta" Muñiz) y Agostina (Salomé Boustani), que fueron novios en su pre-adolescencia. Michael vive al lado del gimnasio y es amigo de Brian (Juan West). Ahora los espacios son dos: el living del protagonista y el sauna del gimnasio. Allí Michael se relaciona con Brian, Anibal (Esteban Coletti) y Charly (Ezequiel Cipols); tres de los personajes de "Segundo Set". Skate punk, cine, amor y banalidades son los tópicos de la obra.

Ezequiel Obregón

Construir un sueño a puro tango

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Diez años atrás dos amigos y músicos le dieron vida a una ilusión. La idea era crear una banda de tango, para interpretar los ya conocidos y también poder generar nuevos temas con su propia impronta. Es así como de la nada surgió Demoliendo Tangos, de la mano de Luis Longhi (bandoneón, texto y puesta en escena) y Federico Mizrahi (piano, composición y dirección musical) junto a Chritine Brebes (violín) y Jorge Bergero (cello).

De festejo se trata el show y no pueden faltar los invitados, motivo por el cual en cada función se pueden descubrir algunos inesperados. Tal fue el caso de Guillermo Fernández y será el de tantos otros artistas como el “Chino” Laborde y Gabriel Rolón, entre otros. También es sabido que si hay música siempre alguien sale a bailar. En este caso la pareja que hace honor es la de Carolina Pujal y Guillermo Barrionuevo. Entre juegos de conquista le dan movimiento y color al escenario.

El espectáculo no es sólo musical. Nombramos a los bailarines, pero también hay comicidad, algo no tan habitual en los shows de tango. Un aspecto muy bien llevado de la mano de Luis Longhi, a quienes muchos identificarán por los numerosos programas de TV en los que participó (entre ellos “Como pan caliente”, “Buenos vecinos”, “Más allá del horizonte”) y de la escena teatral (“Las alegres mujeres de Shakespeare”, “El romance del Romeo y la Julieta”, “La tempestad”, “Pepino el 88”, etc.). Longhi interviene con el relato de anécdotas al mejor estilo Stand Up, para sumar vigor y risas a una noche integral.

Luego de recorrer varios temas tangueros, descubrirán un repaso por canciones que reviven escenas de clásicos del cine: memorable. Se trata de un espectáculo para disfrutar de la música y de un gran equipo de artistas sobre el escenario, que encantará mágicamente al público de todas las edades.

Georgina Falbo

Demoliendo Tangos, 10 años

Autor: Demoliendo Tangos

Elenco: Con Federico Mizrahi, Luis Longhi, Christine Brebes y Jorge Bergero.

Lugar: Molière Teatro Concert (Balcarce 678 – Reservas: 4343-0777)

Horario: Sábados a las 23:30

EnSinapsis te invita al teatro

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En esta oportunidad los invitamos a ver "Quienquiera que hubiera dormido en esta cama", la obra de Martín Flores Cárdenas con Osvaldo Djeredjian, Gabriela Licht y Germán Rodríguez (ver crítica arriba).

Una pareja evoca el día en que se comprometieron. Sin anillos, sin palabras románticas, se involucrarán en cuestiones de vida y muerte.

Para verla, deben escribir a ensinapsisblog@gmail.com, dejando nombre y apellido, últimos tres números del DNI, y un teléfono. Sala: ABASTO SOCIAL CLUB (Humahuaca 3649). Viernes a las 21:30 hs .

BACICI 2009: 5 PELICULAS PARA RECORDAR

Wendy and Lucy, de Kelly Reichardt. Este film tiene mucho de lo que hemos visto en el último cine argentino. Una historia mínima, pocos personajes, preponderancia de los silencios. Hay algo en su atmósfera que le confiere una bienvenida rareza. Tal vez sea la aparente simpleza que la recorre, simpleza que se enhebra en un relato de profunda humanidad. Como en los cuentos de Raymond Carver, una anécdota (la chica que pierde a su perra, en este caso) sirve para observar toda una red de asociaciones en torno a lo que denominamos “cultura”. Michelle Williams asume toda la melancolía que la película necesita, y reconfirma que es más que la viuda de Heath Ledger: es una gran actriz.

Excursiones, de Ezequiel Acuña. Con su tercer largometraje, Ezequiel Acuña perfecciona su estilo. Un estilo que no carece de reminiscencias, de celebración de la amistad masculina, de un humor sutil y bien delineado. Recuperando a los personajes de su corto Rocío, Acuña los enfrenta al paso del tiempo. Su película tiene un tono ligero, despojado de impostaciones, que –a diferencia de sus dos primeros films- amplía su arco generacional y consigue capturar otros públicos. Excursiones trata sobre el reencuentro de dos amigos, en un blanco y negro que tiene mucho de nostalgia, pero cuyo resultado final nos deja bien sonrientes.

El canto de los pájaros, de Albert Serra. Este enfant terrible del cine actual sigue en la misma senda que Honor de Caballería (planos larguísimos, pura contemplación, mínimos núcleos narrativos) pero esta vez en impecable blanco y negro. Serra pone su ojo sobre los Reyes Magos y el camino que los lleva al recién nacido Jesús. Se trata de un cine experimental, extremo, equiparable al de Bresson pero con vuelo propio. ¿Film sobre un transe religioso? ¿Film sobre la necesidad de afianzar una mitología? ¿Revisionismo áspero? ¿Todo eso junto?

Barba azul, de Catherine Breillat. La directora de Romance y Una antigua amante (presentada en este mismo festival, el año pasado) entrega una película pequeña en recursos pero muy bien cuidada en todos los rubros. El relato se bifurca y muestra la relación de dos pequeñas hermanas, una de ellas ansiosa por aterrar a la otra con la lectura de Barba azul, segunda línea que desarrolla la realizadora. Más allá del apéndice ilustrativo, el relato enmarcado funciona como disparador de temas como el poder de la imaginación y lo ominoso en la literatura. Con una producción acotada y una capacidad muy acertada para explorar climas tenebrosos a través de las miradas y los pequeños gestos, Breillat indaga en el carácter mítico del personaje, un noble feo y déspota que asesina a sus mujeres. Una muestra de cómo hacer cine de época bien entendido.

Montaña sin árboles, de So Yong Kin. La segunda película de esta directora coreana reconfirma la sutil mirada presente en In between days, ganadora hace dos ediciones. En este caso, su ancla sobre las vivencias de dos niñas, ya no dos adolescentes como en el film anterior. Dos hermanas que son abandonadas primero por el padre, luego por la madre y finalmente por la tía. El relato deja una profunda melancolía, pero no cede ante la desesperanza. Por el contrario, puede ser pensado como un alegato sobre la resistencia, aún en los más desprotegidos. Una pequeña gran película que pasó inadvertida por el Jurado Oficial.

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Ezequiel Obregón

El fantasma de la ópera: El musical más esperado

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El fantasma de la Opera apareció en la cartelera porteña, luego de haberse frustrado su estreno en varias oportunidades. Obra emblemática del teatro musical, esta creación de Andrew Lloyd Weber estrenada hace más de veinte años en Broadway es una de las piezas con mayor impronta de ópera, hecho que produce el acercamiento de un tipo de público más clásico en cuanto a la recepción de obras musicales.

La obra lleva marcada a fuego la impronta del romanticismo. Basada en la novela homónima de Gastón Leroux, el hilo argumental es bastante lineal: en el Teatro de la Ópera de París sobrevuela la idea de que un fantasma lo habita. Mediante ominosas cartas se dirige a los propietarios del teatro y envía órdenes para la composición de los elencos de las obras representadas, amenazándolos con suscitar tragedias si no se limitan a hacer lo que les pide. La favorecida es Christine, cantante que obtendrá el inmediato aplauso del público, merced a su extraordinaria voz y su desempeño en los papeles protagónicos. También se ganará el amor de Raoul, un joven noble, hecho que enloquecerá de celos al fantasma.

En cuanto al elenco, es destacable la labor de Mirta Arrúa Lichi (Carlotta Giudicceli), Carlos Vittori (uno de los Fantasmas, el papel es alternado por Juan Pablo Skrt) y la mexicana Claudia Cota (Christine). A las actuaciones les falta algo de pasión, sobre todo con tamaño argumento y mecanismo escenotécnico que por momentos “achica” algunas actuaciones, que por momentos se aproximan hacia lo grandilocuente.

De producción excelsa, cada detalle responde a un sofisticado mecanismo de relojería. Impacta la tan mentada caída de la lujosa araña hacia el final del primer acto, el viaje en góndola por las oscuras profundidades del Teatro y el imponente Carnaval que abre segundo acto. Una producción pocas veces vista en Buenos Aires.

Ezequiel Obregón

Libreto: Richard Stilgoe y Andrew LLoyd Weber
Letras: Charles Harts
Letras adicionales: Richard Stilgoe
Traductor y adaptador: Eduardo Galán
Dirección: Harold Prince
Directora Residente: Rocío Rodriguez Conway / Música : Andrew Lloyd Weber
Director Musical: Gerardo Gardelín
Coreografía original: Gillian Lynne
Actuaciones: Carlos Vittori, Juan Pablo Skrt, Claudia Cota, Nicolás Martinelli, Mirta Arrúa Lichi y elenco
Diseño de iluminación: Andrew Bridge
Diseño de escenografía y vestuario. Maria BjÖrnson
Sala: TEATRO OPERA
Horario: Miércoles, jueves y viernes: 20:30 hs – Sábado: 18:00 y 22:00 hs – Domingo: 19:00 Precio: desde 70 pesos.

LOS SIETE LOCOS, de Roberto Arlt

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Obsesionado por enriquecerse y ser reconocido por inventos como la rosa de cobre, Erdosain es un hombre desdichado que busca una salida a su angustia sumergiéndose en lo abyecto. Desesperado ante la falta de dinero y perspectivas, primero roba y luego ingresa en un grupo - liderado por el Astrólogo- que pretende invertir el orden social a través de una terrible y absurda revolución, financiada por una red de burdeles distribuidos por toda la Argentina bajo la administración del Rufián Melancólico.

Escrita en 1929, lúcida mirada sobre la Argentina de comienzos del siglo XX y sobre los conflictos atemporales del hombre, Los siete locos culmina con Los lanzallamas, que Arlt editaría dos años más tarde. La novela sorprende, en primer lugar, por la penetración del autor para captar los signos de los tiempos: Arlt no sólo vislumbra con agudo acierto los acontecimientos que sobrevendrían poco después en nuestro país, sino también advierte las pujas ideológicas que se producen en el orden internacional y denuncia ya entonces el intervencionismo político de los norteamericanos. La obra tiene una riqueza de contenido y una relevancia simbólica que parecen aumentar con el paso de los años, va más allá de la cuestión político-social para ahondar en la temática existencial de la soledad, de los vínculos, el mal y el sentido de la propia vida.

“Mi intención era tomar secuencias que se relacionan con su pensamiento filosófico y con cuestiones sociales” dice el director Omar Aíta. La adaptación, que él mismo ha realizado, “respeta el momento histórico y el orden en el que se desarrollan los acontecimientos… tomando en cuenta principalmente la elocuencia del lenguaje que Arlt da a su novela a través de sus personajes, crudos, oscuros, en constante rebeldía.” Con esa premisa, elige mantener buena parte de los textos, permitiendo acceder a la torturada lucidez de esas creaturas y a sus oscuros delirios. Parlamentos, personajes y situaciones, nos permiten entender los hechos. Sin embargo, se hace difícil abarcar semejante densidad en el limitado desarrollo temporal de la puesta: por momentos, el relato ganaría más contundencia y hondura con mayor concentración.

En la escena, unas camas sirven tanto para las escenas más íntimas de encuentro entre Erdosain y las mujeres de su vida (su esposa Elsa, Luciana o la Bizca), como para mostrar el mundo de la prostitución, la delincuencia y la brutalidad; el interior y el afuera quedan ligados por el denominador común de la humillación, que se da y se recibe. Después, unos pocos objetos, la disposición de los actores, la palabra y la luz, son los que cuentan, con bienvenida economía, el espacio. Cabe subrayar la sobria iluminación de Soledad Ianni que se ensambla perfectamente con la escenografía Carlos Di Pasquo y la ubicación de los actores.

Pablo Iemma debió, con pocos ensayos, salir "al toro" para encarnar al ya célebre protagonista, quien busca la perdición como una paradójica manera de salvarse. Tal vez, el paso de las funciones le va permitiendo profundizar cada vez más en tan torturado y rico personaje y hacer más perceptible su costado alucinado. Julio Ordano encarna al Astrólogo con sobrado oficio y soltura, confiriendo una macabra simpatía al cabecilla de la revolución, que promueve la temible y cercana ideología de la mentira como forma de dominio. Destacan el trabajo clownesco de Marcelo Sánchez en su composición del entrañable Ergueta, la medida y firme Coja que logra Coni Marino y el trabajo expresivo de Cecilia Kruchoski, que interpreta a Luciana.

Acercarse a esta versión de Los siete locos podrá dejarnos desasosegados o inquietos, pero nunca vacíos.

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Clara Ibarzábal

Autor: Roberto Arlt

Adaptación: Omar Aíta

Actuaciones: Federico Aimetta, Pablo Iemma, Andrea Juliá, Cecilia Kruchoski, Darío Levy, Coni Marino, Julio Ordano, Enrique Papatino, Gustavo Pardi, Claudia Pereira, Marcelo Sánchez, Hernán Vazquez

Vestuario: César Drago

Escenografía: Carlos Di Pasquo

Iluminación: Soledad Ianni

Maquillaje: Camila Aita

Música: Martina Vior

Fotografía: Santiago Corti

Diseño gráfico: Santiago Corti

Asesoramiento en coreografía marcial: Leandro Aíta

Asistencia de dirección: Anabel Ferreyra

Prensa: Carolina AlfonsoDirección: Omar Aíta

CENTRO CULTURAL DE LA COOPERACIÓN

Corrientes 1543

Teléfonos: 5077-8077

www.centrocultural.coop

Entrada: $ 35,00 - Domingo y Viernes - 21:00 hs Entrada: $ 35,00 - Sábado - 20:00 hs

El nuevo Larga Duración de Los Amados

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Ya se puede encontrar en las bateas de las mejores disquerías el nuevo LP de Los Amados: Rutilantes. Otra vez esta banda de románticos sorprende con la selección de temas y composiciones propias que deslumbran en el nuevo material. Desbordante de amor, ternura y lleno de energía para invitar a bailar a quienes lo escuchen.

El grupo está compuesto por 5 galanes (y mejores músicos) y la niña Raquelita en piano. Y como nos tienen acostumbrados no podía faltar la cantante invitada para la ocasión: la flor blanca de Colombia, Dina Dulri. La banda de centroamericanos (forma parte de la fantasía) encantan a los argentinos con sus tonadas locales de Puerto Rico, Nicaragua, Guatemala y El Salvador entre otros, mientras que el enamoradizo Chino Amado es de Uruguay pero también se le pega la tonada de sus colegas.

Algunos de los temas que van a encontrar en el disco son: Reloj (Roberto Cantoral), Noche de ronda (Agustín Lara) y Vereda tropical (Gonzalo Curiel), ejemplos de los tradicionales y recordados temas que -junto con los de composición propia de la banda- les permitirá recorrer diversos ritmos. Pasarán del cha cha chá al bolero, del vals al danzón, de la plena al candombe y moverán las caderas con el merengue y la conga. Algunos títulos de la autoría de Los Amados son: Soy tu esclavo, Claro que sí y Pretenciosa no soy. El larga duración ofrece un recorrido de 12 temas que lo hará vibrar y pasar por varias emociones.

En el interior encontrarán una serie de fotografías que los muestran en sus personajes extraídos de la década del 50, haciéndole honor a la época con colorida vestimenta, jopo y habano en mano. También conocerán a Dina, con su vestido al mejor estilo Carmen Miranda, y a la encantadora Raquelita, siempre sonriente y con vestidos delicados.

Pero el disco no es todo. A pesar de vivir en una gira permanente, se los puede ver en los escenarios de Buenos Aires, sólo es cuestión de estar atentos a la cartelera. Por eso, cuando puedan asistir al espectáculo, no lo duden, vivirán realmente una fiesta del amor. Los amados es un grupo que le canta al amor. Como ellos mismos se definen: “Algunos llevan la guerra a otros países, otros llevan el dinero, nosotros llevamos el amor.”

Georgina Falbo

Los amados

Alejandro Viola
Lisandro Fiks
Analía Rosenberg

Oscar Durán

Hernán Sanchez

Cantante invitada: Dina Dulri

www.myspace.com/losamados

http://www.losamados.com.ar/

Esperando la carroza

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La espera terminó: llegó la carroza y se llevó a dos de los personajes más aclamados de la primera entrega del film.

La historia tanscurre en el aniversario de matrimonio de Nora Musicardi (Betiana Blum) y Antonio Musicardi (Luis Brandoni), quienes invitan a su casa a importantes personalidades del ámbito del espectáculo, político y empresarial. Todos son contactos conseguidos gracias al crecimiento económico que produjo el matrimonio en los 25 años que han pasado desde aquel almuerzo familiar en el que se desarrolló la primera parte. Antonio decidió invitar también a los miembros de su familia sin consultarlo con su mujer, avergonzados "por ser pobres".

Con la llegada de todos los Musicardi a la mansión de Nora y Antonio se suceden situaciones insólitas debido al choque de clases. Nora los humilla, intentando utilizarlos como personal de servicio. Se suceden las idas y vueltas de cuatro nuevos personajes interpretados por Lola Fernández, Facundo Espinoza, Gabriela Mandato y Gastón Grande. También podremos ver a los ya conocidos personajes que encarnan Mónica Villa, Juan Manuel Tenuta, Andrea Tenuta, Lidia Catalano y Roberto Carnaghi (quién reemplaza al fallecido Julio De Grazia).

La ausencia de Mamá Cora (Antonio Gasalla) y Elvira (China Zorrilla) provocan una notoria falta de fuerza en esta segunda parte. Los personajes “nuevos” en la familia no logran suplir el hueco que han dejado aquellos.

Si bien el duelo actoral provoca un ritmo ligero, el guión presenta ciertas carencias, los remates son previsibles y los diálogos y situaciones anacrónicos. También se presenta una excesiva autoreferencialidad a la primera entrega de Esperando la carroza (incluso planos exactamente iguales que pasan de homenaje) que provoca que el film pierda su autonomía.

Se destaca el trabajo de Roberto Carnaghi, que logra encontrar los matices del Jorge Musicardi compuesto por De Grazia y –al mismo tiempo- agregarle los propios.

Esperando la carroza 2 es una película que siempre llevará el karma de ser comparada con la primera, un film que pasa con ligereza y que con ligereza se olvida.

Pablo D Elía

La sonrisa de mamá

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Más respeto que soy tu madre

Adaptación de un blog, la obra que dirige y protagoniza el gran capocómico y actor Antonio Gasalla tiene todo el caos y aparente aleatoriedad que caracteriza a este tipo de textos. Es –en ese sentido- una apuesta por algo distinto que encara Gasalla, pero que simultáneamente le permite volver a componer un personaje femenino y bien identificable para los argentinos. Se trata de un Gasalla en estado puro, con una gran autoridad escénica y una justa complicidad con la platea.

Más respeto que soy tu madre se mete de lleno en las vivencias de una familia de clase media-baja de Mercedes. La pieza presenta diversas situaciones cotidianas introducidas por Mirta Bertotti, la entrañable madre cincuentona que soporta a un marido machista y gruñón, un hijo de escaso nivel intelectual que no aporta dinero al hogar, una hija estilo Lolita que promueve sus encantos vía internet, un hijo gay reprimido que termina deviniendo heterosexual, y un suegro que es adepto al consumo y a la venta de marihuana.

Se trata de un espectáculo que apunta directo a lo referencial, con inscripciones de un absurdo que a veces se despega en exceso de la cotidianidad representada. Sobre todo en cuanto al humor escatológico, bastante criticado en varios medios (con justa razón, hay que decirlo), que poco agrega al texto y que –además- resulta excesivo.

La pieza tiene un ritmo ágil, los personajes entran y salen como si alternaran un tiempo real con uno procedente de la interioridad de Mirta. Algunos gags se vuelven redundantes por su extensión, pero el Gasalla director ha sabido extraer los gestos y la potencialidad histriónica de actores de procedencias y edades distintas, entre los que se destacan Alberto Anchart (el abuelo) y Nazareno Móttola (el hijo menor).

Lo mejor de la obra pasa por su costado grotesco, el público llega a ver a través de los ojos de Mirta. Es ella la que tiñe con su ternura aquello más revulsivo, la que nos muestra –en definitiva- aspectos muy cuestionables con los que debe lidiar (su marido, por ejemplo: machista, conservador, y chanta), pero que bajo su mirada pueden esconder un motivo para seguir adelante, con la frente bien alta. Porque, como dice al final: “pese a todo, seguimos juntos”.

Ezequiel Obregón

Dirección y adaptación: Antonio Gasalla.
Autor: Hernán Casciari.
Actuaciones: Antonio Gasalla, Enrique Liporace, Alberto Anchart, Esteban Pérez, Eliana González, Nazareno Móttola y Sebastián Borrás.
Iluminación: Roberto Traferri.
Escenografía: Jorge Ferrari.
Sala: Metropolitan.
Horario: Miercoles, jueves y Viernes 21.30 hs. Sábados: 22. 00 hs. Domingos: 21.00 hs.Precio: Desde 65 pesos.

Entrevista a Javier Pomposiello

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Javier es un joven actor que continúa su formación en la Escuela de Marcelo Katz, director de Aires (ver nota de Clara Ibarzábal). Aquí comparte sus reflexiones sobre la esencia del clown y -desde luego- el espectáculo del cual forma parte.

En Aguas el grupo trabajó con un elemento palpable. ¿Cómo fueron encontrando una dramaturgia que se correspondiera con algo inmaterial como lo es el aire?

El proceso creativo de ambos espectáculos fue muy distinto y no sólo por el elemento en cuestión. “Aguas” se creó con números presentados por alumnos y ex alumnos de la Escuela de Marcelo Katz. A lo largo del año 2007, Marcelo propuso a todos sus alumnos que presentaran números utilizando al agua como eje temático. De todo el material que surgió seleccionó una docena de números, que luego de ser retocados, desarrolló con ellos su puesta en escena.

“Aires” es un espectáculo de la compañía Clun de Katz, en donde los diez clown que actuamos (5 somos también alumnos) recorrimos el proceso creativo de "Aires" desde la página en blanco hasta la obra terminada.

Como participante en el proceso creativo y en la actuación de ambos espectáculos, podría decirte que el hecho de trabajar con los elementos ofrece una cantidad interminable de posibilidades, debido a su universalidad. Claramente, el color y la dinámica que genera cada elemento es completamente distinta. Con “Aguas”, el hecho de estar trabajando en escena con el elemento mismo, mojándonos, salpicándonos, sambuyéndonos, etc., nos posibilitó un juego directo, concreto y muy potente.

Con "Aires", si bien el elemento no es palpable, lo es todo aquello que recibe la influencia de su movimiento. Máquinas sopladoras que generan tormentas de nieve, los sonidos del aire en movimiento, un mundo volátil de burbujas humeantes, sorbetes, el espacio abierto del patio del aljibe, etc. conformaron un pequeño mundo que fuimos creando o descubriendo y que nos invitó a plasmar su dramaturgia. Con el ojo central de Marcelo y con nuestro juego en escena fuimos encontrando en el trabajo con el aire una poética onírica, por momentos apocalíptica y a la vez hilarante y disparatada.

¿Por qué crees que el clown resume como pocas figuras el arte de entretener y el de emocionar?

El clown, como nosotros lo concebimos, no es un actor que compone un personaje. Es la persona misma que deja que afloren todas las cosas que en la vida diaria acostumbramos a esconder. Los temores, el ridículo, las miserias y todo aquello que está en cada uno pero que preferimos ocultar en la vida, es el potencial material de trabajo del clown. Los grandes personajes del teatro clásico saben lo que hacen. El clown no tiene idea y tiene que ponerse a resolver. Esto genera mucha identificación en la gente. El público disfruta mucho ver alguien que convierte en escena las mismas cosas que le pasan a uno y las exacerba y lleva al disparate total. El clown es transparente, vulnerable, deja ver su alma y eso divierte y emociona. En definitiva se trata de reírnos de nuestra humanidad, y por lo tanto celebrarla.

A la vez el clown posee una mirada nueva para todo, una mente simple y un juego permanente con todo lo que encuentra. Es así que construye nuevos mundos a partir de elementos y temas de lo más comunes. Eso lo acerca a la gente. Por ejemplo en "Aires", utilizamos aspiradoras, secadores de pelo, sorbetes de gaseosa y demás cosas domésticas, pero con una mirada nueva, creando cuadros muy bellos y muy cómicos.

¿En qué radica la universalidad del clown?

Tanto en la formación que he recibido como en el concepto de espectáculos en que participo, entendemos al clown del modo en que me he expresado en la pregunta anterior. Y creo que, en rasgos generales, es el modo en que lo concibe la mayoría de los referentes en este país.

No me animaría a afirmar cuáles son los elementos que determinan al clown de modo universal. De hecho hoy y a lo largo de la historia, el término Clown se ha utilizado para una diversidad de artistas y espectáculos tan grande que cuesta llegar a una conclusión de ese tipo. Además los rótulos existentes no ayudan. Está la técnica de clown creada por Jaques Lecoq, que es la que tomamos nosotros. Pero la traducción de la palabra al español es payaso. Por lo tanto somos payasos, pero no con las características que ha institucionalizado el circo para esta figura, ni mucho menos el denominador común de espectáculos infantiles.

Tal vez, la única universalidad del clown sea que es un artista con una gran capacidad de juego convertida en escena, con intensión de emocionar al publico.

Luego hay una cantidad de cosas que podríamos señalar como inherentes universo del clown, pero que no creo que sean condiciones excluyentes: el humor, el contacto directo con el público, la ternura, ser artesanos de sus propios espectáculos, la nariz roja, etc.

A veces escucho o me encuentro con definiciones en libros o en la web de lo que un clown “debe ser” y no me identifico en absoluto. Tal vez deberíamos revisar los rótulos.

¿Cómo se fue elaborando Aires? Si seguimos una línea, ¿podremos ver algún día Fuego, por ejemplo? ¿Lo han pensado?

Cuando Marcelo me convocó para idear un nuevo espectáculo, lo primero que decidimos fue continuar la saga de elementos. Entonces elegimos que era el turno del aire y nos pusimos a bocetar ideas, imágenes y demás delirios para sentar una propuesta para el elenco. Luego el director conformó el elenco, en cual participan algunos clowns que ya estaban en la compañía y otros que fuimos incorporados, mas asistentes, mas diseñadores de objetos, escenografía y vestuario, compositor musical y coreógrafo.

El proceso de elaboración de AIRES fue un laboratorio intensivo con 6 ensayos semanales durante varios meses. Allí experimentábamos con propuestas que traía cada clown, con las bocetadas previamente, y con otras que surgían espontáneamente. Entonces experimentábamos con esas ideas. Uno traía secadores de pelo, otros burbujas y máquinas de humo, o avioncitos de papel, corporización de distintos vientos, etc.

Doy un ejemplo mío: Uno de esos días, yo estaba con mi hijo de tres años en un bar. Mi hijo tenía un jugo de naranja. Yo agarré el sorbete que venía con su jugo y soplé haciendo volar al papel que lo envuelve (acción de lo más conocida). Mi hijo rompió en carcajada. Al día siguiente llevé varios sorbetes al ensayo y propuse usarlos. Comenzamos a probar distintas ideas, y hoy tenemos en "Aires" el número de los sorbetes.

Fueron más de 60 ideas probadas y desarrolladas y todas ellas fueron sugiriéndole a Marcelo y al elenco, un camino a tomar. Luego de madurar las propuestas, Marcelo seleccionó aquello que consideró que rendiría mejor y que ilustrara de mejor modo ese espíritu de espectáculo que empezaba a aparecer. Se trabajaron los números y sus nexos. Luego se terminaron construir los elementos para las escenas, ajustes varios, soluciones técnicas y demases cuestiones de puesta. Vino el estreno y aquí estamos en plenas funciones.

Por supuesto que pensamos continuar la saga de elementos, y de hecho ya se está trabajando en ello. Pronto habrá novedades al respecto.

Contáme cómo es la recepción de la obra.

"Aires" ha tenido una excelente recepción de forma inmediata y eso es una alegría luego de tanto trabajo y tantas horas dedicadas. El patio se llena y gente de todas las edades disfruta muchísimo de cada escena. La obra es realmente muy original y muy divertida. Te puedo asegurar que en un espectáculo de clown, el resultado se nota en seguida. El disfrute del público es muy sonoro. Y en el patio del aljibe del Recoleta está sucediendo algo muy lindo con "Aires".

Ezequiel Obregón

AIRES, DE MARCELO KATZ

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¿Cómo elaborar un espectáculo a partir de una materia tan evanescente como el aire? Nuevamente en el patio del aljibe del Centro Cultural Recoleta, como en Aguas, Marcelo Katz y su grupo de clowns nos sorprenden y nos deleitan probando que la imaginación lo hace posible

Esta vez, en el fondo, paneles negros. Los actores se presentan jugando con rollos de papel: lo cotidiano se transforma en material lúdico y estético ante los ojos agradecidos de compartir la magia.

Las máquinas de humo asumen aquí una nueva funcionalidad. De la misma manera, un lanzapapeles y un ventilador, un secador de pelo o una aspiradora pueden convertirse en objeto de juego escénico en manos de estos jóvenes y talentosos payasos que continuamente trabajan atentos al vínculo con el público de todas las edades que se asombra y participa de la diversión y el disparate continuo. Hay muchos otros elementos, desde el mítico avioncito y las bienvenidas pompas de jabón a los sorbetes, siempre ligados con ingenio y plasticidad a la temática propuesta. Todos los textos que se enuncian como las canciones se vinculan también con el aire, sin forzamientos, con humor y poesía.

Seguir describiendo lo que se ha visto quitaría parte del placer de la obra, que consiste en disfrutar del hallazgo de una mirada fresca, capaz de conferir nueva vida a elementos que manejamos y vemos todos los días, como sucede en algunos cuadros muy logrados, como el show musical donde se interpreta de particular modo el bello tema “Fly me to the moon”. Cabe destacar también un particular concierto, el número del recitado de poemas, el del lejano oeste y el de las burbujas. El diseño de luces se acopla perfectamente con las necesidades del espectáculo.

Los payasos se desempeñan con gracia, cada uno trabaja desde su propia personalidad, lo que enriquece la labor grupal. Quienes tienen a su cargo los pasajes más cómicos, de mayor vínculo con los espectadores, generan muy buenos momentos en la noche al aire libre. Grandes y chicos hallan aquí un espacio de goce y la oportunidad de establecer un vínculo desde la sensibilidad y el juego. Nada menos que teatro.

Clara Ibarzábal

Autor: Marcelo Katz
Actuan: Juan Carlos Bratoz, Cecile Caillon, Demián Candal, Julieta Carreras, Pablo Fusco, Martín López, Lisandro Penelas, Javier Pomposiello, Luciana Wiederhold, Erica Ynoub
Diseño de vestuario: Brigida Lozzi
Diseño de escenografía: Gabriel Diaz
Diseño de luces: Fernando Berreta
Diseño sonoro: Pablo Bronzini
Realización de escenografia: Gabriel Diaz
Música original: Pablo Bronzini
Fotografía: Sol Levinas
Utilero: Analía Gaguin
Asistencia de dirección: Leonardo Quiroz
Asistencia de puesta: Alejandra Varela
Prensa: Daniel Franco, Paula Simkin
Producción ejecutiva: Iris Intilangelo
Jefe técnico: Gabriel Diaz
Coreografía: Diego Bros, Marcelo Katz
Dirección: Marcelo Katz

CENTRO CULTURAL RECOLETA
Junin 1930 Capital Federal Teléfonos: 4803-1040
http://www.centroculturalrecoleta.org
Entrada: $ 20,00 - Domingo y Sábado : 20:30 hs.